La revue étoiles d’encre n° 55-56 de la maison d’édition chèvrefeuille étoilée a été publiée en octobre 2013. Le thème du numéro est la légèreté.
Voici, sous la rubrique d’un art l’autre, un article de Marie-Lydie Joffre à propos de 5 sculptures de Germaine Richier appartenant aux collections du musée Fabre de Montpellier.
Publication du texte » Mundos virtuales » ou la peinture dématérialisée de Silvia Velázquez dans la revue étoiles d’encre 53-54 des éditions Chèvrefeuille étoilée
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Publication d’une sélection d’encres et de PastelLithes de Marie-Lydie Joffre dans la revue étoiles d’encre 53-54 (mars 2013) sur le thème : Nos maisons. Les reproductions dans la revue sont traitées en noir et blanc. Ci-dessous les voici en couleur et présentées dans l’ordre de la pagination.
Les bustes mis à nu de Christ flagellé sont légion dans l’art de notre culture occidentale mais aucun jusqu’ici ne montre le Christ tel que Le Caravage l’exulte dans un style naturaliste tendrement ombré, mettant en valeur son humanité et la proximité vivante de la sensualité de la chair. Le Christ ploie en figure de proue éclairant le monde, sous les brutalités sans conviction de deux tortionnaires – modèles issus du peuple que Le Caravage fait poser sous différents attributs dans ses peintures ; victimes dans la vie tout comme lui, le peintre a de la compassion envers eux – La colonne est tailladée sous les coups de fouet, mais le corps presque nu du Christ porte peu de traces de sévices. A la fois bien réel et surnaturel, il est déjà dans la transfiguration. La puissance de sa présence est au-dessus des contingences, visage exténué mais regard plongé dans un au-delà. Composition mouvante comme les vagues, la scène prend la dimension d’un pont de navire avec la cheminée, les exécutants et l’inconnu de la mer dont le Christ scrute l’horizon…
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Ecce Homo est une oeuvre peinte approximativement la même année que « La Flagellation du Christ » et il semblerait qu’on y retrouve les mêmes personnages qui posent en modèle vivant.
« Ecce Homo » – Voici l’homme – est la présentation à la foule par Ponce Pilate du Christ condamné à la crucifixion. Le Caravage affectionne les scènes de sacrifice, ces thèmes qui lui permettent d’explorer la charge érotique de corps masculins dénudés.
Une petite merveille ces vitraux Ecce Homo, vie du Christ !
Observation de deux tableaux du Caravage exposés au musée Fabre de Montpellier (22 juin – 14 octobre 2012)
– Salomé recevant la tête de St Jean-Baptiste
– L’amour endormi
et d’une oeuvre du Guerchin
Œuvre magistrale, soleil de nuit dans un bloc de chair, action et méditation de la vie sur la mort. Peinture d’une austérité monacale, silencieuse, recueillie qui rompt avec l’idéal du baroque gestuel de l’époque. Les apports du Caravage à la peinture universelle y sont réunis.
Le thème, religieux.
Les personnages, réalistes et représentés à mi-corps, donc proches de nous, zoomés, et qui imposent leur géométrie sur un fond neutre, noir, sans décor.
Le clair-obscur, éclairage ponctuel venu d’une étoile sculptrice, faisant surgir dramatiquement du fond de la nuit, par contraste, les figures en haute lumière modelées d’ombres vigoureuses qui leur donne du volume et une présence saisissante de vérité.
L’équilibre des contrastes ombre-lumière de cette peinture atteint la justesse du nombre d’or. Maximum de force obtenue avec le minimum d’effets. Réduction de la gamme chromatique restituée en tons de noir et blanc qui mettent avec élégance en valeur les argiles ensoleillés des chairs. Les visages jeunes de Salomé et du bourreau arborent des intensités de pomme rebondie ; de pomme flétrie, le visage de la vieille femme ; du masque amidonné de la mort celui de St Jean-Baptiste. Rien d’inutile n’est exposé que le strict nécessaire, le plateau de cuivre, l’arme du bourreau – à connotation sexuelle – retenue entre les doigts de la main gauche.
Par ailleurs, ce ne sont pas des modèles affectés qui posent pour le peintre mais des gens du peuple, de son entourage. On a retrouvé très peu de dessins du Caravage. On suppose qu’il peint directement sur la toile d’un trait alerte et définitif. Il ne rectifie pas sa peinture, ne cherche pas à l’améliorer. Ainsi les visages sont-ils saisis dans la réalité immédiate de leur vérité.
Chaque personnage est dans sa bulle mais tous sont unis par le mystère de l’action qui se déroule. Les interprétations de l’œuvre sont illimitées. On pourrait par exemple transposer le quatuor en métaphore des quatre saisons de la vie, une sorte de nature morte aux humains !
La composition est savante, structurée d’un jeu de lignes et de cercles qui se répondent en multiples destinations de l’émotionnel. Les 4 visages, positionnés sur une ellipse, interpellent, fascinent comme météore dans un ciel de nuit. Salomé et le bourreau, tous deux en action, sont placés en obliques parallèles qui rythment et cadrent la scène. Au milieu de la scène, une troisième oblique parallèle met en exergue le lien entre le regard inquiet de la vieille femme et le regard intériorisé de St Jean Baptiste comme pour relier au point le plus haut, celui de la prière, le point le plus bas celui de la mort. Par ailleurs cette ligne plongeante forme une croix avec la ligne droite horizontale qui dessine les épaules solides de Salomé et du bourreau portant les fardeaux.
Un triangle parfait passe par les 3 points formés des visages de Salomé, du bourreau et de St Jean-Baptiste dont le visage anguleux creuse l’angle de la chute. Le bourreau, séparé du groupe, se trouve un peu dans la position de l’artiste observateur « exécutant » un tableau ! A la croisée des chemins, sa main droite, noeud du drame, palpite en plein coeur de l’oeuvre.
le châle de Salomé aide la jeune femme à soutenir le plateau, et le drapé réplique aux plis de la tunique de travail du bourreau, échancrée à l’épaule pour ne pas gêner l’acte de décapitation. Ces lignes mouvantes apportent une note de fantaisie à la rigueur ambiante.
La ronde des regards raconte l’humanité. Salomé détourne son regard de l’insoutenable. La vieille femme en fixe la souffrance avec effroi et contrairement à Salomé qui nous fait sortir du cadre, son regard à elle nous retient au centre du drame. Elle semble prier et méditer sur la finalité de la vie. Le tête-à-tête contrarié des visages des deux femmes, nuque contre nuque, regards en envol d’accent circonflexe évoque la férocité du miroir des vanités.
Le bourreau fait respectueusement la démonstration de sa mission accomplie. La tête de Salomé et celle du bourreau penchent en rythme du même côté, cependant le regard du bourreau, frontal mais empreint d’humilité est apaisé et absent de la scène ; il se situe au-delà des contingences, comme en rêve. A sa façon le regard de Salomé s’absente aussi. L’homme tient la tête de la victime par le haut des cheveux pour la présenter dignement au public. Les traits particuliers de son visage on les retrouve dans d’autres représentations de bourreau (innocent de tout crime par essence) parmi les toiles du Caravage ; serait-ce l’autoportrait de l’artiste repentant qui n’a pas été épargné par la vie ?
La tête coupée de St Jean-Baptiste, donne à penser à un autre éventuel autoportrait du Caravage, (toujours porteur de barbe dans la vie) en victime ayant expié ses fautes… En tout cas, le visage de St Jean Baptiste est le seul encore capable de délivrer une parole sous l’horizon des trois bouches closes des vivants. Le bras en raccourci du bourreau, entre les deux autoportraits pourrait être le vecteur de l’origine et de la fin de la courte vie du Caravage…
La circonférence d’un regard mystique celui-ci reliant tous les personnages, s’amorce à partir du châle blanc, se poursuit par l’arrondi du plateau de cuivre remonte par la ligne décolletée du vêtement et le visage du bourreau, termine sa trajectoire par une glissade au-dessus des têtes des deux personnages féminins, pour former une pupille qui encercle et réunit les personnages du drame dans le tondo de la misère du monde … ou l’œil visionnaire du Caravage.
Je vous invite à comparer l’œuvre du Caravage avec celle qui a inspiré Le Guerchin ci-dessous.
Le Guerchin (Giovanni Francesco Barbieri, dit Guercino) (1591-1666) peintre et dessinateur italien qui a étudié, parmi tant d’autres artistes, l’œuvre du Caravage
Il m’a semblé à l’observation de l’oeuvre originale que cet enfant n’était pas endormi mais mort. Probablement les effets conjugués du fond très sombre et de l’éclairage à tonalité jaune-cire qui fige la respiration. La mort qui accompagne tout du long l’œuvre du Caravage est-elle déjà inscrite dans cet Amour gisant ?
La lumière du jour n’atteint pas les peintures du Caravage. C’est la nuit des ténèbres qui les pénètre. Les personnages sont éclairés comme au théâtre de lumière directe forte qui accentue les contrastes.
A suivre
« Corps et ombres » Caravage et le caravagisme européen (3)
Le Caravage 1571 – 1610
« Corps et Ombres » fut la grande exposition médiatique présentée au musée Fabre de Montpellier du 23 juin au 14 octobre 2012. L’exposition réunissait neuf chefs-d’œuvre du Caravage – sur une soixantaine de toiles réalisées lors de sa fulgurante carrière – escortés de 74 toiles des principaux artistes du mouvement caravagesque du Sud de l’Europe, dont sept Georges de La Tour, un Velasquez, un Zurbaran !
Simultanément le musée des Augustins de Toulouse présentait l’autre volet de l’exposition « Corps et Ombres » avec les œuvres d’artistes du mouvement caravagesque du Nord de l’Europe, flamand et hollandais, tel Rembrandt par exemple. Les œuvres étaient prêtées par de prestigieux musées du monde entier.
J’ai visité l’exposition du musée Fabre le 8 septembre, le matin, dans l’espoir d’éviter les foules et de pouvoir prolonger la visite l’après-midi. Mais sur le terrain j’ai dû m’adapter au contexte car avec l’afflux des visiteurs il était très difficile de s’approcher des œuvres. En début d’après-midi je me suis alors offert la compagnie des œuvres de Soulages que pour moi dans leurs galeries désertes !
Ces deux expositions ont été amplement commentées dans les média. Sur Internet on trouve beaucoup d’information sur Le Caravage et ses « suiveurs ». Aussi, me contenterai-je d’évoquer les œuvres qui m’ont le plus interpellée.
Mais tout d’abord quelques mots sur la brève vie de Michelangelo Merisi da Caravaggio (nom de la petite ville où il passe son enfance) Le Caravage naît à Milan le 29 septembre 1571. A 22 ans il entre dans l’atelier de Césari, peintre attitré du Pape. Il y peint fleurs et fruits. Puis il quitte l’atelier et se lie avec des artistes d’Académie. Il peint alors tableaux religieux et scènes de genre. L’homme est « belliqueux, violent, transgressif » écrit José Frèches, historien de l’art. Suite à un duel, Le Caravage tue son adversaire. Il est condamné à mort et mène une existence d’errance pour fuir la justice et l’Eglise. Il se déplacera à Malte, Naples, Palerme. Il n’a pas atteint ses 40 ans quand on le trouve mort sur une plage de Toscane en juillet 1616. Personne ne demandera sa dépouille. La cause du décès reste inconnue. Ces circonstances rappellent la mort du cinéaste Pasolini et, plus troublant, il y a une certaine ressemblance dans des portraits que dresse le Caravage avec le portait du cinéaste. Le génie du Caravage tombera dans l’oubli et sera reconnu au XIXe siècle.
Galerie du Caravage
Plusieurs peintures du Caravage seront observées dans les prochains messages. Voici pour commencer la peinture « Garçon mordu par un lézard »
Le garçon semble confiné dans un écrin car certaines ombres sont veloutées et il y a peu d’espace autour de lui. Le voluptueux drapé aux oiseaux figurant la chemise, coupé au coude, donne un prolongement virtuel aux lignes du vêtement. Cadrage serré, plein, personnage à mi-corps, massivité du corps, clair-obscur, ces caractéristiques du style du Caravage sont déjà inscrites dans cette oeuvre de jeunesse.
La vivacité du garçon dont le doigt vient d’être mordu par un lézard donne à ressentir l’instantanéité de la morsure par le positionnement réaliste des mains et ausi parce que le personnage est pris dans la dynamique d’une diagonale qui abaisse le plafond et rejoint à angle vif la diagonale de bordure de la table creusée par une ombre forte noyant le buste. Le bras plié forme, de l’épaule jusqu’à la main, un autre angle vif contrariant le précédent, toutes ces obliques mettent de l’électricité dans l’alcôve ! Le tout est adouci par des détails extrêmement raffinés, le drapé de la soie, la nature morte au vase de fleurs rempli du charme d’une eau bleue. Tendresse dans les rondeurs du visage, sensualité de l’épaule. Œuvre pleine de symboles que vient encore accentuer la secrète diagonale qui relie la fleur dans les cheveux à celle du vase. Les portraits de jeunes-gens maniérés sont récurrents dans l’œuvre de l’artiste.
LIENS
Wikipedia déroule une belle liste de reproductions d’oeuvres du Caravage « identifiées ou contestées » ; la plupart de sa main
Et bien sûr sur des informations fondamentales sur la vie et l’œuvre du Caravage
A suivre
Salomé recevant la tête de St Jean-Baptiste
L’Amour endormi
Zoomer pour une meilleure lecture
Trois encres publiées dans le magazine « Autour des Auteurs » n° 28 – juillet 2012 illustrent :
Variation ‘Dévorations naturelles‘
Une variation à trois voix. Les auteurs ont écrit à l’aveugle, à partir de la même première phrase.
Victime, de Françoise Renaud
La haie d’aubépine, d’Anne Bourrel
Sans croquer, de Raymond Alcovère
Encres de Marie-Lydie Joffre, série du 6 janvier 2004
(encre de Chine et pigments sur papier, 14 x 19 cm)
