L'harmonie, c'est un tout où chaque élément semble nécessaire pour la satisfaction du regard; Une sorte d'ordre et d'équilibre agréable à l'oeil. Comme si les couleurs, les volumes et les lignes s'accordaient pour faire une unité.

Cet effet, on l'obtient d'autant plus qu'on ne charge pas avec des détails inutiles. Souvent, les détails sont nuisibles car ils empiètent sur les éléments essentiels et rompent l'équilibre agréable à l'oeil.

Cependant je ne pense pas que la quête de l'harmonie soit une nécessité absolue. Le monde n'est pas qu'harmonie!

On devrait éviter de se poser top de questions intellectuelles lorsque l'on peint. Au contraire, il faudrait essayer de se rapprocher au plus près de l'inconscient et faire barrière à son jugement rationnel. Suivre son intuition ne trompe jamais.

La finalité de la peinture n'est pas d'obéir à des lois mais à son propre instinct; ce n'est pas de peindre en appliquant des théories, mais peindre en écoutant sa voie intérieure.

Une composition centrée est quelquefois gênante en photo mais, dans une peinture, toutes les libertés s’exercent.

Une composition très centrée peut être synonyme par exemple de puissance, hiératisme, naïveté... Elle interroge.

Par ailleurs, dans un tableau, d’autres éléments s’ajoutent à la composition pour en faire la richesse tels que la qualité du support, la texture, la matière, la touche, la sensation magnétique de la couleur, la proximité physique de la sensibilité de l’artiste...

On peut tout à fait s'exprimer au pastel en tant que débutant.

Le pastel traduit l'essentiel tout de suite car c'est une technique directe et spontanée. Il n'y a pas d'élément intermédiaire et étranger entre la main, solidaire du bâtonnet de pastel, et le support. Par exemple un pinceau, un médium, une palette etc. qui viendraient comme encombrer l'esprit et divertir... C'est comparable au modelage d'argile où le souffle de l'artiste est impulsé directement dans la matière à chaque tension des doigts.

On peut peindre au pastel même si l'on ne possède pas parfaitement les techniques du dessin. Le pastel favorise aussi bien les coloristes que les graphistes.

D'une façon plus générale, on ne possède pas une technique avant de peindre; on peint et on arrive à maîtriser une technique, de même que c'est en forgeant qu'on devient forgeron!

Posséder une technique en arts plastiques n'est pas systématiquement nécessaire à l'expression d'une émotion, sans compter que si l'on possède quelque chose, on ne le cherche plus; or l'art est une quête permanente, une aventure dans l'inconnu, et les erreurs de parcours permettent précisément de se révéler à soi-même.

Se révéler jusqu'à l'artiste à maturité qui, pour s'exprimer, s'efforce de dépasser la technique qui n'est pas une fin en soi car son art, réduit à la virtuosité perdrait en dimension. « J'étais moins audacieux, je voulais montrer que je savais peindre » regrette le peintre abstrait Olivier Debré en parlant de ses débuts.

« Savoir dessiner n'est pas dessiner bien » disait Gauguin. En effet, dessiner en fonction de certains critères académiques est très limitatif. Il faut essayer de dessiner vrai, à sa façon, avec sincérité.

Le pigment de pastel posé sur le support sera toujours chargé des vibrations intimes de la sensibilité, et ceci quelle que soit la forme donnée, dessinée à l'aide de traits ou peinte en aplats, ou encore les deux à la fois.

Ci-dessous 2 exemples de démarche d'artistes :

• Chagall dont les "déficiences" en dessin ont été salutaires. Ses dessins se présentent comme de fragiles icônes tendrement naïves, perdues dans une luxuriance de couleurs précieuses. Essayez de consulter son oeuvre au pastel
• Degas, qui souhaitait qu'on retienne de lui qu'il "aimait le dessin", crée à la fin de sa vie des pastels somptueux car déstructurés de leurs lignes savantes au profit d'amas et d'entrelacs de couleurs lumineuses. Consultez les Nus, notamment ceux de la période 1890-1910

L'histoire de l'art abonde en exemples d'artistes qui ont su trouver leur propre façon de transcrire «les contours imaginaires des objets visibles » (Roger de Piles) :

• Van Gogh : ligne débitée en tirets épais
• Gauguin : ligne simplifiée et puissante
• Seurat : ligne insaisissable sous des semis de points
• Matisse : ligne réduite à l'essentiel de l'arabesque
• Picasso : ligne aiguë autoritaire
• Alechinsky : ligne sinueuse tremblée, etc.

Je crois que l'expression artistique est un combat perpétuel contre soi même. On lutte parce qu'on sait trop ou parce qu'on ne sait pas assez ! Mais on lutte et c'est cette énergie du questionnement qu'il faut cultiver pour aller de l'avant.

Tout est basé sur l'observation. Et, pour l'observation, tout est valable. Par exemple :

1. Sortir le plus possible de "soi-même ", aller voir des expositions, visiter des musées, lire des revues d'art, rencontrer des artistes si possible dans leurs ateliers.

   Ne pas sélectionner un art particulier mais aller visiter toutes sortes d'ateliers ou de démonstrations. Toutes les spécialités d'art sont intéressantes car elles stimulent le champ de vision : sculpture, gravure, mosaïque, peinture, fonderie etc.

2. Avoir sur soi dans les déplacements un carnet de croquis pour y consigner des dessins sur le motif, comme un journal de bord.

   En fait, observer un maximum autour de soi et, si possible, de façon active : par exemple, dessiner des arbres lors d'une promenade à la campagne.

C'est très bien de partir d'un modèle quel qu'il soit, une reproduction ou la nature. C'est comme un tuteur qui va aider à la croissance de l'arbre. Combiner les deux ne peut être qu'un enrichissement étant donné la multiplicité des points de vue offerts. Tout est bon à "butiner" pour faire son miel!